Bakemono no ko / The Boy and the Beast

Bakemono no ko (Mamoru Hosoda, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4272866/

 

Primera película de animación en la historia de la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián.
 
Al morir su madre, separada, Kyuta queda desamparado. Mientras tanto, en Jutengai, el mundo de las bestias, Kumatetsu es un desastroso maestro sin aprendices que luchará por el puesto de gran maestro contra Iozen, el favorito. En una excursión de Kumatetsu por el mundo de los humanos, casualmente conocerá a Kyuta. Al principio el muchacho rehuirá el ofrecimiento de convertirse en el aprendiz o ayudante de Kumatetsu, pero al intentar perseguirlos acabará entrando en el mundo de las bestias. Allí presenciará una pelea entre Iozen y Kumatetsu y, al ver que todo el mundo está del lado de Iozen, decidirá convertirse en el aprendiz de Kumatetsu. Ambos establecerán una relación maestro-aprendiz que les unirá.

Bakemono no ko es una película de animación, muy cuidada, con elementos sobrenaturales pero sin abandonar el enfoque de corte realista. Dicho de otra forma, se encuentra más próxima a El Libro de la Selva (Wolfgang Rietherman, 1967) que a El Viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001). Eso sí, se mantiene en el canon japonés de narración lenta y pausada, quizá llegando a pecar de metraje un poco largo, aunque no llega a hacerse pesada en ningún momento. Los personajes están ligeramente estereotipados, algo bastante habitual en el mundo de la animación, pero están bien definidos y tienen su propia personalidad.
Técnicamente es correcta, sin destacar, y aprovecha bien la libertad que da la animación sin excederse en las posibilidades. La línea básica de la historia es la que promete la sinopsis: una suerte de mezcla entre Karate Kid (John G. Avildsen) y la ya mencionada El Libro de la Selva. Afortunadamente, las relaciones entre personajes y su evolución están bastante trabajadas, consiguiendo una película más adulta y satisfactoria de ver. 

Sin llegar a ser una película mayoritaria, como prodían serlo las producciones de Pixar o, en menor medida, las de Studio Ghibli, tampoco presenta un caracter experimental o distintivo que permita etiquetarla como "película de festival". En ese sentido, el hecho de ser la primera película de animación de la historia en la sección oficial se puede considerar suficiente premio; aún siendo en conjunto mejor película que otras de las que participaron. Esperemos que no encuentre problemas para llegar a los círculos comerciales de distribución y que se pueda disfrutar de esta película que sí, merece la pena ver.

High-Rise

High-Rise (Ben Wheatly, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4206218/

En la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián destacó esta película, que, sin ser la mejor en ninguno de los aspectos, a mí me pareció la que mejor cómputo global presentaba.

Película basada en la novela homónima de J.G.Ballard en el que el neurocirujano Dr. Laing (Tom Hiddleston) se muda al piso 25 de un novedoso rascacielos de apartamentos, construido por el arquitecto Anthony Royal (Jeremy Irons), que disponse de todas las comodidades posibles (piscinas, supermercados, etc.). Allí, buscará vivir una vida tranquila y disfrutar del anonimato. No tarda en conocer a otros inquilinos, entre ellos el documentalista frustrado Richard Wilder (Luke Evans), y comprender cómo está estructurado el edificio: las diferentes clases de la sociedad habitan en diferentes alturas del mismo. Pequeñas discusiones a veces absurdas y normalmente insignificantes irá provocando recelos. Algunos inconvenientes también aparentemente menores (como, por ejemplo, cortes de luz en la parte baja del edificio) empezarán a despertar odios entre los habitantes del edificio. Tras una rápida escalada, estallará el caos en una guerrilla de clases que acabrá desdibujando por completo la humanidad de los vecinos.

High-Rise es una película excelente que, en un flashback tras una primera escena descontextualizada pero claramente distópica, se limita a llevarnos por los acontecimientos que desembocan en ese futuro ya conocido. Aunque está ambientada en Londres en 1975, la película presenta una más que acertada atemporalidad.
Tras un segundo arranque que sugerirá un cierto paralelismo con El Quimérico Inquilino (Le Locataire, Roman Polanski, 1976), enseguida nos encontraremos con que la película recuerda más a la temática de Metropolis (Fritz Lang, 1927). Rodada magníficamente, y sin dejar de ser cine moderno y con claro recorrido en la distribución comercial, es capaz de incluir escenas puramente instrumentales, al más puro estilo de Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982), que ayudan a completar esa sensación de "película bien hecha" y de que no se está viendo más de lo mismo. La ambientación y las interpretaciones están a la misma altura, por lo que es una película que permite al espectador introducirse en la historia de forma limpia y dejarse llevar.

Si tuviera que elegir una única película de las que he visto en el festival, sería ésta. Así que recomendable al 100%.

Mi Gran Noche

Mi Gran Noche (Álex de la Iglesia, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4412362/

Pequeño respiro en la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián con esta película fuera de concurso.

Mi Gran Noche es una disparatada comedia de Álex de la Iglesia ambientada en el interminable rodaje de un casposo programa especial de nochevieja. Tras un accidente con una cámara, la necesidad de un nuevo extra llevará a Jose (Pepón Nieto) a formar parte del "público" del rodaje, que lleva allí semanas. Mientras tanto, entre camerinos, se desatará una lucha de egos entre Adanne (Mario Casas) y Alphonso (Raphael). Fuera, una huelga por los despidos mantiene aislado al equipo de grabación en el estudio.

Álex de la Iglesia vuelve a lucir su saber hacer con esta comedia en la que la responsabilidad de los papeles principales queda repartida entre muchísimos actores que dan vida a varias tramas desarrolladas en paralelo. Sin nada criticable en el apartado técnico, tampoco una película para lucirse en él así que pasamos rápidamente a otras cuestiones. Los personajes son histriónicos, muy marcados. Destacan especialmente los dos cantantes principales: Raphael y Mario Casas, en papeles prácticamente paródicos, y también Terele Pávez. En cuanto a las tramas, quizá se pueda criticar que estén demasiado desacopladas entre ellas. Esto da lugar a una narracción que salta de una otra continuamente, resultando en una narración más característica de una teleserie que de una película de cine. Este defecto es completamente perdonable si nos fijamos en la cantidad y calidad del contenido de las mismas: parodias (algunas muy claras, como Star Wars, y otras más rebuscadas, como En Busca del Arca Perdida), crítica social (están presentes, en un segundo plano, la crisis, los despidos de trabajadores de televisión pública y las corruptelas) y, sobre todo, humor, muchísimo humor.


Completamente recomendable, incluso si la comedia no es lo tuyo.

P.D.: No puedo finalizar este post sin mencionar que hay una fugaz pero muy reconocible aparición de Los Gandules.

Eva No Duerme

Eva No Duerme (Pablo Agüero, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt2953182/

Volvemos a la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián con una coproducción entre Francia, Argentina y España.

Pretenciosa y aburridísima sucesión de cortometrajes pegados como si fueran una película y cuyo punto de unión es la historia del embalsamamiento del cadáver de Eva Perón, su robo, ocultamiento y, finalmente, su regreso a argentina. Historia de la que, a la postre, se dan pinceladas de fragmentos concretos pero no se llega a contar.
La película Eva No Duerme arranca con una primera escena muy prometedora, espectacular, y en el resto del metraje mantiene una calidad técnica buena, aunque con bajones puntuales. Por desgracia, no es suficiente para compensar un argumento prácticamente nulo, ya que la película parece una mera excusa para hablar del trasfondo político. Los diferentes fragmentos en los que se centra no acaban de enganchar y parecen centrarse más en sus propios detalles que en formar parte de una narración común. 

Muy poco recomendable. Sin ir más lejos, el artículo de la Wikipedia es mucho más interesante.

Swap

Swap (Remton Zuasola, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4524244/

Dentro del 63 Festival de Cine de San Sebastián, pero en la sección Zabaltegui ("Zona Abierta") se ha podido ver esta película filipina.

Copio y pego: "Un joven padre se ve ante el dilema de resolver un delito o de cometer otro cuando su único hijo es secuestrado y la manera de recuperarlo es secuestrar a otro niño a cambio de la vida del suyo". Con una sinopsis como esa, cabría esperar un thriller interesante, pero por desgracia todo el interés se queda en la sinopsis.

Swap es, en realidad, una infumable producción amateur filipina que hace aguas por todos los lados. El argumento es flojo, pues no hay nada del dilema prometido. Las interpretaciones son penosas, los personajes no tienen carisma ninguno y los escenarios parecen sacados de una obra de teatro de instituto. El formato de la película es un único plano-secuencia completamente contraproducente al combinarlo con la narración, que no es cronológica y ocurre en diferentes lugares sin relación entre ellos (una casa, un hospital, una iglesia). Por no hablar de las secuencias oníricas o simbólicas (reutilizando algunos de los platós) con pseudopersonajes encapuchados simulando ser ¿los sentimientos? ¿la conciencia?.

No recomendada.

21 Nuits avec Pattie

Vingt et Un Nuits avec Pattie (Arnaud Larrieu, Jean-Marie Larrieu, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4022440

Otra entrada más de la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián.

Comedia francesa en la que Caroline (Isabelle Carré), tras la muerte de su madre (Mathilde Monnier) con la que apenas tenía relación, viaja al pequeño pueblo en que vivía con la intención de asistir al entierro y vender la casa. Allí conocerá a la asistenta de su madre, Pattie (Karin Viard); una mujer que no tiene reparos en hablar de sus conquistas. También a sus hermanos, que se encargaban de las obras de la casa, y a los pintorescos personajes que habitan en el pueblo. La situación se complica cuando el cadáver de su madre desaparece y, además, aparece en el pueblo un escritor, antiguo amigo de ésta (André Dussollier).

21 Nuits avec Pattie cumple con la tradición del cine francés, muy cuidada en el aspecto técnico. Narrada sin estridencias ni errores, y con unas interpretaciones completamente convincentes pese a lo excéntrico de los personajes. En suma construyen es una película muy absorbente que permite centrarse sin distracciones en la historia y los diálogos.
Y ahí es donde está la única flajeza de esta película. Si bien al comienzo de la película la historia engancha, a partir de la mitad de la cinta esa historia se empieza a deshinchar con resoluciones simplistas, con el resultado final de que flojea. Es un error "perdonable" si el verdadero propósito de la película es hablarnos del sentido de la vida, del amor y del sexo, pero destruye por completo la "trama detectivesca". Una lástima, porque de no haber sido así el resultado podría haber sido mucho mejor y se habría consguido una película redonda, muy del estilo de Swimming Pool (François Ozon, 2003).

Una película entretenida y agradable, sin pretensiones, y que se puede recomendar sin mucho problema porque permite pasar un buen rato.

Evolution

Evolution (Lucile Hadzihalilovic, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt4291590/

Más sección oficial del 63 Festival de San Sebastián.

Interesante propuesta ejecutada de forma dura. En un pueblo costero de una isla, habitado únicamente por mujeres y niños, Nicolás (Max Brebant) descubre buceando el cadáver de otro niño. Cuando se lo cuenta a su madre (Julie-Marie Parmentier), ésta desvía la conversación. Nicolás empieza a sospechar que las madres del pueblo saben algo que no cuentan. Tras hacerse un corte accidental en la mano, Nicolás es enviado a un hospital junto con otros niños y allí sus sospechas se acrecentarán. Aparentemente, sólo una enfermera (Roxane Duran) está de su lado.

Como decía, Evolution es una propuesta interesante y muy intrigante, que podría haber dado lugar a una gran película. Lamentablemente, la durísima forma de llevarla a cabo, con imágenes desagradables que a veces parecen buscar más la polémica que apoyar la narración, hará que esta película quede relegada a ser conocida sólo por los fans del género.

El ritmo de la narración es muy pausado. Y, al contrario que la parte visual, muy explícita, la forma de desvelar las realidades ocultas de la trama se basa mucho en la insinuación, dejando al espectador la tarea de unir los puntos y sacar sus propias conclusiones. Es precisamente este juego de insinuacones sin explicaciones directas lo que le confiere a la película un tono Lovecraftiano y un carácter deasosegante, de terror a lo desconocido. A ese tono contribuye también la ambientación, muy acertada: personajes lacónicos en escenarios austeros, a medio camino entre mantenidos y abandonados, que confieren atemporalidad al relato. Y esa atemporalidad, según se sigue desvelando el trasfondo de la película, se convierte en una realidad establecida y perpetua.

En definitiva, una película de terror psicológico que, a su vez, es cine gourmet: muy recomenable, pero sólo al público adecuado.

Sunset Song

Sunset Song (Terence Davies, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt2262161/

Seguimos con la sección oficial del 63 Festival de Cine de San Sebastián. En este caso, con una adaptación de una novela de Lewis Grassic Gibbon.

Dramón sin paliativos, costumbrista, en el que una campesina con aspiraciones (Agyness Deyn) se enfrenta a la vida rural de la Escocia de principios del siglo pasado. Un padre autoritario, maltratador y rancio, y una familia que, por diferentes circunsancias, la acaba dejando a solas con él hasta que muere y, liberada de dicha carga, empieza una vida mejor, en lucha contra las convenciones sociales de la época. Consigue un novio guapo y cariñoso (Kevin Guthrie) y una boda perfecta pero de nuevo, algo pasa: la llegada de la primera guerra mundial acabará con su sueño de una vida feliz en familia en la granja.

El punto diferencial de Sunset Song está, en parte, en el tratamiento narrativo: la película forma parte de un poema, o una canción, cantada a fragmentos por la protagonista mediante una voz en off, coincidiendo con los vaivenes de su vida. Y ahí acaba el que podría ser el único punto de interés (si es que alguien considera interesante en una peli que haya una narración de un poema en off). La película es lenta y un tanto arrítmica: los eventos se suceden uno tras otro sin que haya un hilo conductor suficientemente fuerte como para mantenerlos unidos. Al final, es constante la sensación de que no está ocurriendo nada. Recuerda mucho, en ese sentido, a Das Weiße Band (Michael Haneke, 2009), pero sin la gran factura técnica de Haneke. Aquí los planos son, en su mayoría, simplemente correctos: muy medidos y bien planteados, pero pierden todo su potencial al montarse de forma completamente plana y anodina.

Película academicista totalmente prescindible. Salvo que seas escocés y te interese la aburrida y deprimente vida de una mujer de hace 100 años.

Regression

Regression (Alejandro Amenábar, 2015)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt3319920/

Película inaugural del 63 Festival de Cine de San Sebastián y regreso a la dirección de Alejandro Amenábar tras 6 años de parón.

Regression, ambientada en Minnesota en el año 1990, nos cuenta la investigación del detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) acerca de los motivos de la huída de casa de Angela Gray (Emma Watson). La aparición en la comisaría de su padre John (David Dencik) no facilita las cosas, pues aunque admite su culpa de haber abusado de su hija, no es capaz de recordar haberlo hecho. Entra en juego un psicólogo (David Thewlis) que intentará tácticas de hipnosis regresiva con el objetivo de aclarar los hechos. A partir de ahí el caso explosiona, dado que John recuerda que había alguien más y señala a un policía local. Todo parece apuntar a que este caso es parte de algo mucho más grande y que podría haber una secta satánica secreta detrás.

Inspirada en hechos reales, la película se mueve del terror hacia el thriller policíaco. Durante gran parte de la película se tiene la sensación de que, esta vez, Amenábar ha estado difuso y ha sido poco certero. No es hasta el desenlace, que revela el verdadero hilo conductor sobre el que se articula Regression, cuando se tiene constancia de que sí, la "marca de la casa" de Amenábar, está en esta película.

Por desgracia, no es suficiente.
En una película de giros inesperados y falsas apariencias, inflar excesivamente el globo que luego vas a pinchar puede no salir bien, y es lo que ocurre en este caso: mucha película se utiliza para construir una película de terror que luego no lo va a ser. Y, como no lo es, el inflado resulta excesivo, hasta el extremo de llegar a aburrir con escenas que sobran.

En cuanto a la factura técnica, tampoco está a la altura de las expectativas que genera Amenábar. Al margen del "inspirado en hechos reales", la abundancia de planos y encuadres más propios de televisión que de cine hace que la película emane continuamente cierto regusto a telefilm. Quiero pensar que es algo buscado, para subrayar sutilmente el componente realista de la película frente a la componente de terror sobrenatural, pero resulta difícil saberlo. Ocurre algo parecido con la poco creíble interpretación de Emma Watson, muy por debajo de la del resto de protagonistas, que también podría haber sido intencional una vez se conoce el desenlace.

Película recomendable, pero con reservas. Decepcionará a los que la vean como una película de terror, y aburrirá a quienes lo vean como un thriller. Una verdaderamente lástima porque la idea era muy buena y el resultado podría haber sido mucho mejor.

Kingsman: Servicio Secreto

Kingsman: The Secret Service (Matthew Vaughn, 2014)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt2802144/

Aviso: voy a soltar spoilers en todos los párrafos.

En Kingsman, Eggsy (Taron Egerton), un joven problemático de clase baja, entra a formar parte de una agencia secreta de agentes especiales formada por aristócratas de la mano de Galahad (Colin Firth), antiguo compañero de su padre. Salvan el mundo de un histriónico malo malísimo llamado Valentine (Samuel L. Jackson) y el protagonista sodomiza a la princesa Tilde (Hanna Alström) como premio. Os parecerá que esa última frase no viene a cuento y que me la podía haber ahorrado; en la película tampoco venía a cuento y también se la podían haber ahorrado.

Esta ecléctica película no se sabe muy bien si se trata de una película "nueva", si es una especie de homenaje o tributo a la Liga de los Hombres Extraordinarios (Stephen Norrington, 2003) o a las películas de espías (léase cualquiera James Bond), o bien es en realidad una parodia del género. ¿Qué es lo que ocurre? Que se queda a medio camino de todo y acaba no siendo nada. Intenta añadir drama con la historia de la madre de Eggsy, pero se queda ahí. Intenta añadir lucha de clases (Eggsy contra los otros aristócratas seleccionados) durante las pruebas de aptitud de la sociedad, pero también lo deja ahí. Intenta mantenerse relativamente seria -sin dejar de ser una película llena de fantasmadas de espías- y decide hacr explotar las cabezas de la gente al ritmo de la música. Intenta ser elegante y se cepilla toda la elegancia con el innecesario y burdo chiste digno de Agárralo Como Puedas 33 1/3: El Insulto Final (Peter Segal, 1994).

Hablemos ahora de aspectos técnicos. No sé si la película se ha estrenado en 3D (yo la he visto en 2D), pero a lo largo de la película encontraris un montón de travellings sin interés narrativo de los que parecen clamar a voces "¡hey! ¡mira! ¡soy en 3D y molo!" (¿recordais los de La Invención de Hugo (Martin Scorsese, 2011)?) y que a mí personalmente me chirrían tanto que consiguen que me distraiga de todo lo demás. Pero no siempre es así: en otros momentos más calmados de la narración el planteamiento visual pasa de ser barroco a ser propio de una serie de televisión. Y, finalmente, tendreis unas dosis de melees coreografiadas con artificales movimientos de cámara dignos de una película de artes marciales, pero sin la gracia que tienen en las películas de artes marciales. Una falta de continuidad que provoca que acabes viendo varias películas diferentes e inconexas entre sí, aunque con los mismos personajes y continuando la misma historia, que impedirán que os sentais mínimanente integrados en la historia.

La explicación más plausible que veo para este despropósito es que los sobrinos quinceañeros del productor sean un guionista wannabe y un director wannabe y los colara en el rodaje de la película.

No.

Perdida

Gone girl (David Fincher, 2014)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt2267998/

En Perdida, un matrimonio "bien" se enfrenta a la desaparición de la mujer (Rosamund Pike) en extrañas circunstancias que hacen que todas las sospechas recaigan en el marido (Ben Affleck): el escenario parece preparado, hay problemas financieros en el matrimonio y él, casualmente, no tiene coartada. ¿Triller policíaco? ¿Whodunnit? ¿Road movie? Nada de eso... o, quizás, todo eso y más. Con giros argumentales que llegan a provocar la impresión de que estamos viendo más de una película (y esto lo digo en el sentido positivo), la narración consigue mantener en todo momento interés y ritmo pese a que la película es larga. Los personajes principales está muy desarrollados y tienen múltiples facetas (¡qué sería de los thrillers sin poder descubrir secretos de los protagonistas a media película!). Por contra, los secundarios son las típicas personas sencillas moldeadas de acuerdo los estándares norteamericanos. Y esto de nuevo se puede decir en el sentido positivo: cumplen perfectamente su cometido y no añaden complejidad innecesaria a una trama que realmente no lo necesita.
SPOILER Reminiscencias a Audition (Takashi Miike, 1999) en lo argumental, aunque con un tratamiento completamente diferente. Personalmente (y aunque reconozco que no tiene mucho sentido) también me recordó El Silencio de la Sospecha (Simon Moore, 1991) por ese juego de balancear la culpabilidad de un lado a otro.

Comentaba en La Desaparición de Eleanor Rigby que era una película que engañaba con su título de thriller policíaco. Pues bien, Perdida es la película que teneis que ir a ver si os decepcionó la primera.
Muy recomendable.

La Isla Mínima

La Isla Mínima (Alberto Rodríguez, 2014)

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt3253930/

Otra película que he acabado viendo en los círculos comerciales pero que se pudo ver en el 62 Festival de Cine de San Sebastián (premiere mundial en dicho festival, y donde ganó mejor fotografía y mejor actor).

La Isla Mínima trata de una película de cine negro, ambientada en la España de principios de los 80, en la que dos policías (Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo) de ideologías contrarias son enviados a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes en un pequeño pueblo de las marismas de Andalucía. No se trata de una película de poli bueno, poli malo condenados a entenderse; rápidamente veremos cómo cada uno utiliza sus medios para intentar llegar al fin común. La narración es muy sólida y sin trampas al espectador, lo que siempre es de agradecer en los thrillers policíacos. Los personajes, complejos, bien desarrollados y en su mayoría ambiguos, están excelentemente interpretados contribuyendo a la solidez de la narración. Hablando de forma general, es una película que se ven de principio a fin sin que en ningún momento se acuse falta de ritmo, metraje excesivo o escenas superfluas.

En cuando al apartado técnico, destaca especialmente por su fotografía. La secuencia de créditos inicial se abre con coloridos planos cenitales de diferentes marismas, resultando toda una declaración de intenciones. Durante la película, los lapsos de tiempo son a menudo representados con más planos cenitales alejándose de la escena que contribuyen a la personalidad de la película. No se queda ahí: sorprende la variación de planos, encuadres e incluso texturas: hay una escena que salta del interior de un vehíclo al exterior, quedando la cámara dentro y dejándonos sólo entrever la acción a través de un parabrisas por el que corre el agua de la lluvia. Es un gran exponente de ese tipo de lenguaje cinematográfico que está en declive frente a la narración cómoda y directa popularizada por las teleseries.

La relevanca que tienen la imagen y la fotografía en esta película recuerda mucho al cine surcoreano que llega a España, thrillers en especial. A mí particularmente, La Isla Mínima me recordó mucho las sensaciones que tuve cuando vi Memories of Murder (Bong Joon-ho, 2003).

Una película recomendable, sin paliativos.

La Desaparición de Eleanor Rigby

La Desaparición de Eleanor Rigby (Ned Benson, 2014)

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt3729920/

Una película de la sección Perlas del 62 Festival de Cine de San Sebastián pero que no he visto allí sino en cines... y que se hubiera sumado a las películas que no me dejaron buena sensación.

No os dejeis engañar por un título de thriller policíaco: La Desaparición de Eleanor Rigby es un drama en toda regla. Eleanor (Jessica Chastain) y Conor (James McAvoy) forman una pareja muy enamorada, hasta que un día su suerte se tuerce. Eleanor abandona a Conor e intenta suicidarse. A partir de ahí, la película nos va desvelando detalles de qué fue lo que ocurrió para llegar hasta ese punto y cómo los personajes intentan rehacer sus vidas y luchan para recuperar el amor.

Una película de personajes, sentimientos y relaciones humanas que a mí, personalmente, no terminan de gustarme. El apartado técnico es correcto pero pobre, como corresponde; se trata de contar la historia sin muchas distracciones. La referencia a los Beatles del título, por cierto, o es muy oscura y no la he entendido o es totalmente gratuita.

Por lo que leo, quizá la miga de la película sea que, en realidad, son tres películas. O tres montajes diferentes de la misma película, no me queda claro. Los dos primeros (Him y Her) se mostraron en el Festival de Cine de Totonto de 2014 como “work in progress” mientras que “Them”, que creo que es la que yo he visto, apareció en el Festival de Cine de Cannes del mismo año.

Una película sin nada especial, sólo recomendable para amantes del género. O a lo mejor soy yo, que no he conectado con la película... ni siquiera saliendo Isabelle Huppert, con lo que me gusta.

La Entrega

The Drop (Michaël R. Roskam, 2014)

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1600196/

Y mi fugaz visita al 62 Festival de Cine de San Sebastián terminó con esta película, también de sección oficial, y que me dejó muchas mejores sensaciones que las tres anteriores.

Cine negro. Cine negro bien hecho. The Drop nos habla del crimen organizado en New York y de cómo utilizan los bares como tapadera para el blanqueo de dinero. Nos pone en la piel de Bob Saginowski (Tom Hardy), camarero de uno de esos bares, que una noche conoce casualmente a Nadia (Noomi Rapace) al encontrar un perro maltratado en su basura. Más o menos al mismo tiempo, su bar resulta atracado y, al empezar a avanzar la investigación, la situación se enturbia rápidamente.

Malos muy malos y buenos que no parecen tan buenos entremezclados de formas difíciles de aclarar hasta que la trama no avanza. La historia, basada en una novela de Dennis Lehane, se aproxima de una manera fresca al trillado tema del crimen organizado, al ponernos en la piel de los peones (o de víctimas, según se quiera ver) de dichas bandas, con sus vidas y sus relaciones interpersonales, alejándose de dar la imagen completa.

En cuanto a la estética, la película hace honor a su género, el cine negro, con una imágen oscura muy bien cuidada. El ritmo de la narración resulta muy correcto: la progresión resulta natural, sin saltos, y sin aburrir en ningún momento. Y a este fluir ayudan también las interpretaciones, muy buenas y que resultan en unos personajes creíbles.

Un película recomendable sin ningún tipo de duda.

Autómata

Autómata (Gabe Ibáñez, 2014)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1971325/

Continúa esta pequeña serie de películas de la sección oficial del 62 Festival de Cine de San Sebastián con un cambio de registro que nos lleva a futuros distópicos, repletos de ciencia ficción.

En Autómata, la radiación solar ha reducido la población de la tierra y la gente se apiña en ciudades protegidas del desierto y la radiación exterior mediante muros. Para la construcción de esos muros, una gran empresa construye autómatas especializados. Dichos robots están sujetos dos normas: la primera es no hacer ni permitir hacer daño a ningún ser vivo y la segunda es que no se pueden automodificar.

Lógicamente, y para que haya película, las cosas no funcionan como deben y le toca al agente de seguros Jacq Vaucan (Antonio Banderas) estudiar algunos casos en los que uno de los robots ha hecho daño a un perro o se estaba automodificando. Y es durante esa investigación cuando se descubre que, efectivamente, algo raro está ocurriendo.

La estética recuerda tan poderosamente a Blade Runner (Ridley Scott, 1982) que casi se podría considerar un plagio. El argumento bebe sin tapujos de Asimov (en especial de "Yo, Robot" y de sus tres leyes de la robótica) y también un poco de algunas partes "¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?" de Philip K. Dick que no aparecen en Blade Runner. Eso sí, en cuanto la película ha arrancado y la trama empieza a avanzar, todo, absolutamente todo (tanto la estética, como el argumento y las interpretaciones) pierde fuelle y la película pierde interés. De repente estamos en medio de un desierto, con unos monólogos lamentables de Antonio Banderas, y viendo algo que pretende ser un thriller de cine negro pero que a duras penas daría para un capítulo de una teleserie policíaca.

No puedo recomendar esta película. Es muy prometedora al principio del metraje, incluso perdonando las más que obvias inspiraciones, pero rápidamente se desinfla y pierde todo su sentido.

Stille Hjerte / Silent Heart

Stille Hjerte / Silent Heart (Bille August, 2014)

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt3335048/

Seguimos con otra película de mi visita relámpago al 62 Festival de Cine de San Sebastián.

La sinopsis de Silent Heart es bastante desalentadora: una anciana enferma terminal decide juntar a la familia (su marido, su amiga de toda la vida, sus dos hijas con sus parejas y su nieto) y hacer una cena de navidad anticipada antes de poner fin a su vida. A esa sinopsis le añades que la película es danesa y de repente tiene toda la pinta de ser un dramón inconmensurable y película de larguísimos diálogos filosóficos alrededor de una mesa.

Sin embargo, sorprende. Y para bien. Aunque bueno, puede que no a todos; el señor que roncaba detrás de mí en la sala de cine no parecía muy sorprendido...

Interpretaciones creíbles, variedad de personajes y de filosofías de vida y una película bien rodada en su mayor parte. En algunos momentos hay una alternancia entre planos con trípode y planos cámara en mano bastante incómoda y desconcertante, porque no tenía ningún sentido.

En cuanto al argumento, como una sinopsis como la mencionada podría parecer una película difícil de digerir, pero el tratamiento que se da al tema evita que la película resulte dura de ver. Curiosamente, no es una película que se haga larga o que llegue un punto en el que desees que se termine. SPOILER Como era de esperar, inicialmente una de las hijas acepta la decisión de su madre y la otra no tanto, y durante la película dichas posiciones, en cierto modo, se intercambian.

Una película que, sin ser mala, y pese a tener bastantes detalles salvables, no acaba de resultar particularmente recomendable.

Une Nouvelle Amie

Une Nouvelle Amie (François Ozon, 2014)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt3184934/

De escapada relámpago al 62 Festival de Cine de San Sebastián, una de las películas que he tenido la oportunidad de ver ha sido ésta del conocido director François Ozón (director del que, por cierto, tengo que ponerme al día con su filmografía).

La Nouvelle Amie nos habla inicialmente de dos amigas muy amigas, quizá hasta el punto de cruzar la línea de lo enfermizo, o, mejor dicho, de la muerte de una de ellas (ya de adultas) y de los eventos que desencadena su muerte tanto en su marido (Romain Duris), como en la otra amiga Claire (Anaïs Demoustier).

No es que se pueda contar mucho más sin destripar el argumento: es una de esas películas en las que el argumento podría resumirse en un par de líneas yen las que los personajes evolucionan sin que realmente ocurran eventos destacables. SPOILER En cierto modo recuerda el tema principal de Vértigo (A.Hitchcock, 1958) y también Breakfast on Pluto (Neil Jordan, 2005).

De hecho, el tema de la película, aún sin ser uno de ser uno de los que más me llaman la atención, podría haber sido muy interesante, pero el progreso es un poco arrítmico y falto de cuerpo. A veces da la sensación de que la película va a la deriva, sin saber muy bien qué es lo que se quiere resaltar, y con relleno innecesario. De hecho, si no fuera por el buen hacer de Ozon en el apartado técnico, posiblemente estaríamos hablando de un telefilm de sobremesa.

Es precismente este aspecto, el del lenguaje cinematográfico, el que dota a la película de cierto interés: travellings, zooms y primerísimos unen los puntos de una forma muy cuidada y ayudan a que la película se deje ver, aunque sin llegar a eliminar la sensación de que se hace larga.

¿Es una película recomendable? Personalmente opino que no, salvo que el tema del travestismo o el cine afrancesado resulte particularmente interesante. Pero tampoco es necesario echarse atrás si surge la oportunidad de verla.

El Congreso

The Congress (Ari Folman, 2013)

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1821641/

Va a quedar un poco monotemático que, después de La Sombra del Vampiro (que es una película habla de cine) siga con The Congress (que es otra película que también habla de cine), pero es lo que hay.

El Congreso es una película de ciencia ficción que nos habla de un futuro distópico (por supuesto; ¡los utópicos no están de moda!) en el que actores famosos se digitalizan por una determinada cantidad de dinero y, a partir de ese momento, pierden el derecho de actuar: todas las películas las harán los animadores de los estudios a los que hayan vendido su digitalización.
 

En este caso, una Robin Wright (interpretándose a sí misma) venida a menos es quien se somete a este proceso, tras un largo rato de metraje (mayoritariamente innecesario) dedicado al drama de su vida y a la duda de si debería o no debería hacerlo.En ese momento, la película salta 20 años hacia el futuro, y vemos que Robin se dirige a una convención de ciencia ficción en la que es uno de los principales reclamos, ya que ciencia ficción es lo que más ha protagonizado su versión digitalizada. Esa convención se celebra en una zona exclusiva de animación (!?)... porque en esos 20 años la tecnología del entretenimiento ha avanzado y, ahora, en vez de ir a ver películas, lo que se hace es tomar drogas que te hacen verte, ver a los demás, y que los demás te vean como si fueras un dibujo animado; el que tú elijas.
A partir de este punto empieza el fragmento animado y onírico de la película -del que poco se puede contar sin destripar la película- y que hace recordar otras obras como Paprika (Satoshi Kon, 2006) o Solaris (Andrei Tarkovsky, 1972). No es de extrañar esto último porque tanto Solaris como The Congress están basadas en relatos del escritor polaco de ciencia ficción Stanislaw Lem.

La parte de imagen real de la película es muy fluja. Abusa del diálogo, del monólogo y le falta lenguaje cinematográfico (lo cual parece imperdonable en una película que habla sobre cine). La segunda mitad, la animada, en general está mejor tratada, aunque en algunos momentos peca de exceso de contenido visual sin que éste aporte nada a lo que está ocurriendo.

Una película original y que podría ser recomendable, aunque no para todo el mundo.

Como punto débil, para mi gusto le falla el excesivo metraje dedicado al drama y del que se podría haber prescindido en favor de un ritmo más interesante.

La Sombra del Vampiro

Shadow of the Vampire (E. Elias Merhige, 2000)
IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0189998/

Como con alguna película había que empezar, he elegido un película que he vuelto a ver recientemente y que cuento entre las que más me gustan. Vamos allá...

La Sombra del Vampiro es la historia (ficcionalizada) del rodaje de de Nosferatu (F.W.Murnau, 1921). En esta versión de los hechos, el director de cine Murnau (interpretado por John Malkovich) utiliza como actor principal de Nosferatu a un Max Schreck (Willem Dafoe) que es realmente un vampiro.

La narración mezcla historias reales, como el cambio de nombre de Drácula por Nosferatu que tuvieron que hacer para librarse de pagar derechos de autor, con la trama propia de la película. Rápidamente el rodaje se vuelve tenebroso y se ve que cada personaje busca sus propios objetivos sin importarle mucho lo que ocurra con los demas.
Estéticamente hablando es una película con muchos guiños al cine clásico. Abundan las escenas muy bien tratadas e incluye también algunos diálogos destacables. La propia narración de la película favorece una interesante mezcla del blanco y negro (cuando se muestran o recrean escenas de Nosferatu) y el color cuando se habla del rodaje propiamente dicho. Para los lapsos de tiempo utiliza, en clara alusión al cine mudo, rótulos e imágenes enmarcadas. SPOILER Incluso el efecto especial al que se recurre para representar la muerte del vampiro es, simplemente, que la propia película se queme en el proyecto.
Respecto a lo narrativo, difícilmente se puede cnosiderar "una película de vampiros"; el simple hecho no seguir el guión convencional provoca que la película sea una mezcla entre drama, terror, no-ficción.
Tenemos un vampiro bastante atípico, alejado completamente de los estándares en los que es un ser poderoso, decidido y con las ideas claras. Tenemos un vampiro creíble por el que se puede sentir simpatía; con sus intereses, sus miedos y sus sueños (SPOILER como cuando, gracias a un proyector de cine, vuelve a ver un amanecer).

Una película recomendable; diferente e inmersiva, que puede gustarte especialmente si te interesa el cine clásico.